La Historia de "A Horse With No Name" el gran éxito de America

julio 08, 2013 0 comentarios

"A Horse With No Name" fue lanzada como single un 31 de Enero de 1972. Gracias al éxito de esta canción, America pasó a ser reconocida por todo el mundo por su interesante sonido soft-Rock mezclado con el folk mas melódico.Formado inicialmente por: Gerry Beckley (guitarra, Bajo, voces), Dewey Bunnell (voz y guitarra)y Dan Peek(voz, bajo, teclados). Estos tres chicos compartían dos detalles en común: Ser hijos de soldados estadounidenses que estaban destinados en bases militares británcas y su gusto por la buena música.

Cuando el cantante Dewey Bunnell viajó a Estados Unidos a visitar a sus familiares quedó maravillado con el paisaje desertico de Arizona y Nuevo México. Fue tanta su admiración por esos lugares, que al llegar a su casa en Inglaterra empezó a escribir poemas inspirado en todo lo que sintió al caminar por esos lugares. Uno de esos escritos se titulaba "Desert Song".

Pasaron los años, y cuando por fin Bunnell y compañía consiguieron un contrato formal , "Desert Song" salió a la mesa como una posible canción para el disco.
Era mediados del año 1971 y la banda empezó a grabar sus canciones en los Trident Studios, ubicados en Londres, entre el repertorio que arreglaban estaba esta prosa pero ya elaborada como una canción, y con un lígero cambio de título. Ahora se llamaba misteriosamente "A Horse With No Name"...

Musicalmente, esta canción está inspirada en las melodias del músico canadiense Neil Young, quien era uno de los artistas favoritos de Bunnell, y jamás se dió el lujo de esconder ni renegar de su influencia. Se dice que en el estudio de grabación los tres integrantes de la banda junto al productor Ian Samwell se dieron de cabeza contra la pared por varios días buscando esos efectos de sonido necesarios para que la canción tomara esa sensación de andar sobre un caballo. La idea principal era que el oyente se imaginara montado sobre un caballo y cruzara el desierto libremente, sin rumbo alguno ni determinado por un mapa, y solamente buscando la felicidad perdida por algun momento triste que nos trae la vida...

Los tres integrantes de "America", decidieron lanzar esta canción como single por un motivo muy particular: Su sonido Folk que mezclado con el paisaje desertico eran puntos muy aptos para ser un hit tanto en Estados Unidos como en tierras británicas. Pero la canción tambien estuvo en el centro de una polémica, y eso tomó de sorpresa a la banda. Resulta que varias radioemisoras de Estados Unidos censuraron sin piedad a esta canción, logrando que no apareciera dentro de su parrilla programática. La razón de esta cruel cesura se debía a la palabra "Horse", que en español significa caballo pero que en los contextos suburbanos era muy usado para referirse a la heroína. A partir de ese detalle, las radios y la prensa escrita empezaron a hacer una campaña de desprecio a la banda, recurriendo a estúpidos discursos que hablaban "pestes" sobre la canción, admitiendo que incitaba a la juventudo a seguir su mal ejemplo y a la propaganda barata en favor a la adicción con esta droga semi-sintética.

Mientras los medios hacían pedazos a la canción, la banda declaraba en varias entrevistas que todo eso era una mentira y que esas personas estaban confabuladas para atacar sus creaciones. Hasta el día de hoy los fanáticos siguen discutiendo sobre la temática de la canción y la heroína, sacando a relucir interesantes conclusiones sobre cada metáfora presentada en la letra.

Todos estos dimes y diretes llegaron a un punto final en favor de "America", ya que el single que contenía a "A Horse With No Name" se dió el lujo de entrar al puesto 3 en el UK Singles charts y... ¡¡¡al primer lugar del Billboard Hot 100.

La Historia detras de "Dreams" de Fleetwood Mac

mayo 27, 2013 0 comentarios


La historia es conocida, pero vale la pena recordarla. La grabación de Rumours, el décimo disco de estudio de Fleetwood Mac (que comenzó como promesa del blues blanco y se convirtió en la aplanadora del soft rock tras la partida del guitarrista Peter Green) estuvo signada por las crisis personales de todos sus integrantes. El baterista Mick Fleetwood se estaba divorciando de su mujer; el matrimonio entre el bajista John McVie y la tecladista Christine McVie llegaba a su fin, y la misma suerte corría para el binomio compositivo de Lindsey Buckingham y Stevie Nicks tras ocho años de pareja.

Dentro de este panorama, las sesiones fueron ásperas y turbulentas, como era de esperarse. La banda cumplía sus tareas con profesionalismo, pero entre una toma y otra volaba la artillería pesada entre ellos. En una de las jornadas de grabación, Nicks sintió que su presencia era innecesaria en el estudio, así que llevó su Fender Rhodes se instaló en otra de las habitaciones del lugar, en la que había un piano de cola y una enorme cama victoriana.

Cómodamente recostada, Stevie comenzó a jugar con los patrones de ritmo que el teclado traía de fábrica y, sobre una base bailable repetitiva comenzó a jugar con tres acordes, hasta que diez minutos después tenía terminado un tema nuevo y decidió mostrárselo a sus compañeros al día siguiente. La tecladista McVie la rechazó casi de inmediato al considerarla monótona y aburrida, pero Buckingham logró hacerla cambiar de opinión al agregarle unos cambios armónicos y rítmicos sin alterar la progresión original.

La grabación de "Dreams" no fue ajena al infierno de relaciones personales que reinaron en la totalidad de la creación del disco. La batería y la voz de Nicks se grabaron en Sausalito, mientras que las guitarras y el bajo se agregaron más tarde en un estudio en Los Ángeles. El tema resultó ser el segundo corte de difusión de Rumours, y tuvo un ascenso meteórico hasta el primer puesto de los rankings en Estados Unidos. El tema debe su éxito más a la difusión radial que a la televisiva, porque no fue hasta 1979 que Fleetwood Mac comenzó a hacer videos de alto presupuesto.

Enjoy the Silence, conoce la historia detrás del gran hit de Depeche Mode

septiembre 14, 2012 0 comentarios


Cambiar una dinámica de trabajo implica arrojarse al riesgo de no saber qué es lo que vendrá, sobre todo si la fórmula que se venía empleando durante años había demostrado ser exitosa. Salir de una zona de confort es necesario en términos creativos, pero no deja de representar un riesgo. 

Elegir este nuevo rumbo es, en definitiva, un acto de valentía. Dejar de jugarse por lo seguro fue lo que Depeche Mode buscó a la hora de concebir su séptimo disco de estudio. Entre varias cuestiones, la banda empezó a incorporar a las guitarras como guía de sus canciones (si bien ya habían asomado tímidamente en "Behind the Wheel" y "Love, in Itself"), incorporó a un productor externo a su sello discográfico para que coordinase las grabaciones y, a diferencia de en sus intentos anteriores, decidió que no iban a tomar los demos hogareños de Martin Gore como la versión definitiva de las canciones a incluir en el álbum. 

A pesar de haber acatado estas premisas, a Gore se le hizo difícil aceptar la mutación de su "Enjoy the Silence" original a como todos la conocemos hoy en día. Originalmente, la canción era una balada casi fúnebre, sin más recursos que su voz y un harmonio, pero tras escucharla, Alan Wilder y el productor Flood lograron persuadirlo para acelerarle el ritmo porque preveían que el grupo tenía un futuro hit en sus manos. Y no se equivocaban. Con el toque final de la voz de Dave Gahan, "Enjoy the Silence" se volvió el segundo simple de Depeche Mode en llegar al Top 10 británico (el anterior, "People Are People", había llegado en... ¡1984!). A final de cuentas, el plan dio sus frutos, pero como quien no puede dejar de aferrarse a una idea que considera mejor, Gore logró que su versión original apareciese como lado B en una tirada especial del single.

La historia detrás de "Just Like Heaven" de The Cure

agosto 29, 2012 0 comentarios



Si hubiera que hacer una enumeración taxativa de los temas sobre los que versan la mayoría de las canciones de rock, la lista no iría mucho más allá de los siguientes tópicos: vida, muerte, odio, drogas, tristeza y amor. Por extraño que pueda parecer, una de las mejores aproximaciones a este último sentimiento corre por cuenta de uno de los grupos más lúgubres del pop, y la manera con la que supo abordarlo le trajo el reconocimiento que hasta ese momento le era esquivo más allá de las fronteras de su Inglaterra natal.

Como suele ser costumbre en varios casos a la hora de componer nuevo material para Kiss Me, Kiss Me, Kiss Me, The Cure estableció un régimen creativo de quince días al mes. Fue durante uno de estos lapsos que Robert Smith dio con la base de acordes de "Just Like Heaven" y, al poco tiempo, le acercó un demo instrumental a la banda mientras grababan su séptimo disco de estudio en el sur de Francia, con el que acariciarían por primera vez el éxito del otro lado del Atlántico.

Con la maqueta en sus manos, el baterista Boris Williams sugirió hacerle un cambio radical a la canción: por un lado, acelerar su tempo y, por el otro, darle un comienzo marcado con su instrumento. Este cambio le sugirió una idea a Smith que terminaría siendo una de las características más propias del tema: que los instrumentos se acoplasen de a uno por vez en el siguiente orden: batería, bajo, guitarra eléctrica, guitarra acústica, sintetizadores y voz. Para completar el cuadro, Smith decidió componer la letra inspirado en un viaje que había realizado con su futura esposa Mary Poole a Beachy Head, en el sur de Inglaterra. Varios de sus pasajes son bastante descriptivos de la escena: dos enamorados haciéndose promesas al borde de un peñón. La canción es también una evocación a la infancia desde sus primeras líneas y la referencia a los trucos de magia, pero entendidos a su vez como una estratagema de seducción.

Al igual que todos los videos de la banda desde "Let's Go To Bed" hasta ese entonces, el clip de la canción fue dirigido por Tim Pope y, si bien se grabó en un estudio de filmación, el set fue decorado para recrear la apariencia de un acantilado para encajar con el relato de la canción. Al momento del solo de piano, la propia Poole aparece para bailar con Smith. Lejos de los simbolismos, su presencia se justifica por algo muy simple: la canción está dedicada a ella y para la banda no hubiera tenido sentido que figurase otra persona.


Semisonic

mayo 31, 2012 0 comentarios



Después de la desintegración de "Trip Shakespeare", los nativos de Minneapolis Dan Wilson y John Munson se unieron con el baterista Jacob Slichter para formar Semisonic en 1993. "Trip Shakespeare" había pasado años acumulando un público fiel con armonías y contrapuntos artísticos inesperados de guitarra, pero el líder de la banda Dan Wilson tomó Semisonic en una dirección completamente diferente, adoptando un sonido bien diseñado que resultó ser más apetecible para un público mayoritario.

"Closing Time" fue el mayor éxito de la banda, que domina las ondas radiales en 1998, y recogiendo una nominación al Grammy al año siguiente. A pesar que Semisonic se disolvió después del lanzamiento de su tercer álbum el 2001 "All About Chemistry", Wilson obtuvo galardones adicionales como artista en solitario. Él también co-escribió el material con otros grupos, incluidos los de las Dixie Chicks, ganador del Grammy con "Taking the Long Way".

Teniendo en cuenta las conexiones de "Trip Shakespeare" en la industria de la música, no pasó mucho tiempo para que Semisonic (que se había formado inicialmente bajo el nombre "Pleasure") consiguiera un contrato discográfico con Elektra. Antes de que la banda podría grabar, sin embargo, la reorganización de la gestión en la sede de Elektra dio lugar a la rescisión del contrato de Semisonic. La banda se recuperó en 1995 al firmar con MCA y la liberación de un EP auto-producido llamado "Pleasure".

"The Great Divide" siguio en 1996, marcando el debut de Semisonic y cosechando una opinión favorable de la revista Rolling Stone, que consideró "un disco de pop sencillo y moderno, pero con gas." Sin embargo, fue el esfuerzo de los músicos el segundo año, sintiéndose extrañamente bien, que marcó su gran avance en el año 1998. "Closing Time" encabezó las listas de rock moderno, "Secret Smile" se convirtió en un hit Top 20 en el Reino Unido, y los Semisonic disfrutaron de un breve destello de su estrellato que con el milenio llegó a su fin.

"All About Chemistry", tercer álbum de la banda, fue emitido a principios de 2001 y produjo éxitos adicionales en el Reino Unido, pero el registro no pudo mantener la popularidad del grupo en Estados Unidos. Semisonic envolvio el año, contribuyendo con "Over My Head" para la banda sonora de "Summer Catch", una película para adolescentes beisboleros, y que cubre las alas de los "Jet" para un CD tributo de Paul McCartney titulado "Listen to What the Man Said". Dan Wilson también se tomó el tiempo para poner los ladrillos de su material en solitario, tocando un montón de fechas en todo el Medio Oeste, mientras que su hermano Matt se conectó con John Munson para formar "The Flops". A medida que estos proyectos montados en paralelo se realizaban, Semisonic entró en receso por tiempo indefinido a finales de 2001.

The Beatles

abril 12, 2012 0 comentarios



Tanto se ha dicho y escrito sobre los Beatles - y su historia es tan mítico en su alcance - que es difícil resumir su carrera, sin reiterar los tópicos que ya han sido digeridos por decenas de millones de aficionados al rock. Para comenzar con lo obvio, que eran el grupo más grande y más influyente de la era del rock, e introdujo innovaciones en la música más popular que cualquier otra banda de rock del siglo 20. Por otra parte, se encontraban entre los pocos artistas de cualquier disciplina que eran a la vez el mejor en lo que hicieron y el más popular en lo que hacían. Implacablemente imaginativa y experimental, los Beatles agarraron la conciencia de la masas en 1964 y nunca lo dejaron ir por los próximos seis años, manteniéndose siempre por delante del pelotón en términos de creatividad, pero sin perder nunca su capacidad para comunicar sus ideas cada vez más sofisticados a un audiencia masiva. Su supremacía como los iconos del rock sigue siendo indiscutible para el día de hoy, décadas después de su separación en 1970.

Es difícil transmitir el alcance de los logros de los Beatles en un mero párrafo o dos. Se sintetiza todo lo bueno del rock & roll, y lo cambió en algo original y aún más emocionante. Ellos establecieron el prototipo del grupo de rock independiente que escribió e interpretó su propio material. Como compositores, su creatividad y la inventiva melódica era insuperable, y la clave para la evolución del rock desde el blues y R&B, formas basadas en un estilo que era mucho más ecléctico, pero igualmente visceral. Como cantantes, tanto John Lennon y Paul McCartney fueron algunos de los mejores vocalistas y más expresivos del rock, las armonías del grupo eran intrincados y estimulante. Como los artistas, eran  emocionantes y fotogénicos, cuando se retiraron al estudio, fueron fundamentales en pioneras técnicas avanzadas y los arreglos de varias capas. También fueron el primer grupo de rock británico en alcanzar la prominencia en todo el mundo, lanzando una invasión británica de rock que hizo un verdadero fenómeno internacional.

Más que cualquier otro grupo, el éxito de los Beatles fue en gran medida un caso de todo el ser mayor que la suma de sus partes. Su cohesión fenomenal se debió en gran medida a la mayoría del grupo después de haber conocido unos a otros y jugaron juntos en Liverpool durante unos cinco años antes de que empezaran a tener discos de éxito. El guitarrista y adolescente rebelde John Lennon se enganchó en el rock & roll a mediados de los años 50, y formó una banda, "The Quarrymen", en su escuela secundaria. A mediados de 1957, a "The Quarrymen" se les unió otro guitarrista, Paul McCartney, casi dos años más joven que Lennon. Un poco más tarde se les unió otro guitarrista, George Harrison, un amigo de McCartney. "The Quarrymen" iba a cambiar alineaciones constantemente en los últimos años 50, con el tiempo reducir al trío básico de los guitarristas, que habían demostrado ser los mejores músicos y las personas más compatibles con personal dentro de la banda.

"The Quarrymen" cambiaron su nombre a "The Silver Beatles" en 1960, para convertirse en "The Beatles". Stuart Sutcliffe, amigo de la universidad de Lennon se unió en el bajo, pero la búsqueda de un baterista permanente era un molesto problema hasta que Pete Best se unió en el verano de 1960. Él audicionó con éxito para el combo justo antes de que se fueran por una temporada de varios meses a Hamburgo, Alemania.

Hamburgo era el bautismo de los Beatles. Reproducción de sesiones agotadoras durante horas y horas en una de las más notorias zonas rojas en el mundo, el grupo se vio obligado a ampliar su repertorio, e invertir su show con la energía maníaca suficiente para mantener a las multitudes ruidosas satisfecho. Cuando regresaron a Liverpool a finales de 1960, se consolidaron en 1961, en el mítico The Cavern Club, la incubadora del sonido Merseybeat.

Regresaron a Hamburgo en 1961, aunque Sutcliffe abandonó la banda ese mismo año para concentrarse en sus estudios de arte de la escuela. McCartney se hizo cargo en el bajo, Harrison se instaló como guitarrista, y Lennon tenía guitarra rítmica, todo el mundo cantaba. A mediados de 1961, los Beatles (menos Sutcliffe) hizo sus primeras grabaciones en Alemania, como un grupo de respaldo a un guitarrista de rock británico / cantante con sede en Hamburgo, Tony Sheridan. Los Beatles no se habían desarrollado plenamente en este punto, y estas grabaciones, muchas de las cuales (incluyendo un par de Sheridan) se publicaron sólo después de la llegada de la banda a la fama - encontrar sus talentos en un estado más embrionario. La restricción de Hamburgo también fue notable por la obtención de los Beatles, tales como la novia de Sutcliffe, Astrid Kirchherr, que influyó en todos ellos para cambiar el estilo, dieron a los músicos su sello más distintivo visual. (Sutcliffe, por desgracia, iba a morir de una hemorragia cerebral en abril de 1962).

Cerca del final de 1961, la popularidad de los Beatles llamaron la atención de una tienda de discos locales y del manager Brian Epstein. Él utilizó sus contactos para adquirir audiciones rápidamente. Un 01 de enero 1962, después de semanas de deliberación, Decca los rechazó al igual que varios sellos británicos. La perseverancia de Epstein fue recompensado finalmente con una audición para el productor George Martin en Parlophone, una subsidiaria de EMI, Martin firmó con los Beatles a mediados de 1962. En ese momento, el virus de Epstein fue asiduamente preparando el éxito nacional de influir en ellos para embellecer su aspecto, prescindiendo de sus chaquetas de cuero y pantalones en favor de los trajes a medida y corbatas.

Un cambio más importante fue antes de que los Beatles debutaran en Parlophone. En agosto de 1962, el baterista Pete Best fue echado del grupo, una polémica decisión que ha sido la causa de mucha especulación desde entonces. Todavía no hay consenso sólido en cuanto a si fue a causa de su naturaleza solitaria, de mal humor, los celos los otros Beatles 'de su popularidad con los fans, sus carencias musicales (George Martin ya le había dicho a Epstein que mejor no era lo suficientemente bueno para la bateria en las grabaciones), o su negativa a usar el pelo con flequillo. Lo que parece más probable era que los Beatles se limitó a observar su personalidad incompatibles, prefiriendo recurrir a Ringo Starr (nacido Richard Starkey), un baterista con el otro popular grupo de Merseyside, Rory Storm & The Hurricanes. Starr 

había estado con los Beatles durante unas pocas semanas cuando grabaron su primer single, "Love Me Do" / "PS Te Amo", en septiembre de 1962. Ambos lados del 45 eran originales de Lennon-McCartney, y el equipo de compositores que se le atribuye la mayor parte del material del grupo durante toda la carrera de los Beatles. El single, un esfuerzo prometedor, pero muy rudimentario, se cernía en torno a los alcances más bajos del Top 20 británico. El fenómeno de los Beatles en verdad no entran en juego hasta "Please Please Me", que encabezó las listas británicas a principios de 1963. Este fue el único prototipo de invasión británica: una contagiosa melodía, la carga de guitarras y armonías positivamente exuberantes. Las mismas características son evidentes en su tercer 45, "From Me to You" (una serie británica), y su primer LP, "Please Please Me". A pesar de que se registró sobre todo en un solo día, "Please Please Me" encabezó las listas británicas por un sorprendente 30 semanas, que creo al grupo como la banda de rock & roll más popular jamás visto en el Reino Unido. 

Lo que los Beatles habían hecho era tomar los mejores elementos del rock y el pop que amaban y hacerlos propios. Habían sido sumergidos en el rock clásico a principios de Elvis, Buddy Holly, Chuck Berry, Little Richard, Carl Perkins, y los Everly Brothers, sino que también había mantenido un oído abierto a principios de los años 60 los sonidos de la Motown , Phil Spector y los grupos de chicas. Lo que era un añadido, su sin igual composición inteligente (inspirado por los equipos de Brill Building, tales como Gerry Goffin y Carole King), un temerario ataque orientado a la guitarra, voz tremendamente entusiastas, y la personificación de la elegancia juvenil de su generación, dispuestos a prescindir de la austeridad de la posguerra y reclamar una cultura propia. También fueron insuperables en su eclecticismo, dispuestos a pedir prestado del blues, los estándares populares, gospel, folk, o lo que sea, parece adecuado para su visión musical. El productor George Martin era el contraste perfecto para el grupo, refinando sus ideas sin juguetear con sus núcleos, durante la última mitad de su carrera, era indispensable para que su capacidad de 
traducir sus conceptos en los acuerdos que requiere la orquestación compleja, las aplicaciones innovadoras de tecnología de grabación, y una variedad cada vez más amplio de instrumentos.

Igual de importante, los Beatles no eran de los que se quedaban quietos. Todos sus álbumes y singles posteriores muestran una progresión artística notable (aunque nunca a expensas de una melodía pegadiza). Incluso en su segundo LP, "With the Beatles" (1963), era evidente que su talento como compositores e instrumentistas fueron ampliando con furia, idearon melodías cada vez más inventivos y armonicas, y aumentó la plenitud de sus acordes. "She Loves You" y "I Want to Hold Your Hand", estableció el grupo no sólo como un actor de la música popular, sino como un fenómeno nunca antes visto en la industria del entretenimiento británica, ya que cada single vendio más de un millón de copias en el Reino Unido después de algunas apariciones famosas de la televisión nacional, la Beatlemanía estalló a través de las Islas Británicas a finales de 1963, y el grupo de generaba gritos e histeria en todas sus apariciones públicas, musicales o de otro modo.

Capitol, que tenía preferencia por las grabaciones de los Beatles en los Estados Unidos, se había negado a emitir los primeros singles del grupo, unos pocos, acabó apareciendo en las tiendas americanas independientes, relativamente pequeñas. "I Wanna Hold Your Hand", tomo por asalto la cima de las listas de Estados Unidos dentro de unas semanas de su lanzamiento el 26 de diciembre de 1963. Las apariencias de los Beatles en la televisión "The Ed Sullivan Show" en febrero de 1964 puso en marcha la Beatlemanía (y toda la invasión británica) a una escala aún mayor de lo que había alcanzado en Gran Bretaña. En la primera semana de abril de 1964, los Beatles tenían los cinco primeros sencillos de mayor venta en los EE.UU., sino que también tuvo los primeros dos posiciones en las listas de álbumes, así como otras listas como Billboard Top 100. Nadie jamás había dominado el mercado de la música popular tan fuertemente, y es dudoso que nadie nunca más lo hará. Los Beatles alcanzaron el número uno con la mayoría de sus singles y álbumes hasta su disolución en 1970.

Por difícil que sea de creer hoy en día, los Beatles fueron descritos con frecuencia por los comentaristas culturales de la época como nada más que una moda pasajera que desaparecerá en unos meses. El grupo aseguró que esto no iba a pasar, haciendo una noche aquel día a principios de 1964, un cinéma vérité de estilo de cine de comedia musical, que cementó su imagen como "Fab Four": Happy-Go-Lucky, individualista, descarado, divertido muchachos con la energía sin parar. La banda sonora también fue un triunfo, que consiste en su totalidad por canciones de Lennon-McCartney, incluidas las normas tales como la canción del título, "And I Love Her", "If I Fell", "Can't Buy Me Love," y "Things We Said Today". Resonantes de George Harrison de guitarra eléctrica de 12 cuerdas fueron muy influyentes, los Beatles (junto con Bob Dylan) serían muy influyente en la explosión del folk-rock de 1965. El exito The Beatles también comenzo a abrir el mercado de EE.UU. para los compañeros británicos, como a The Rolling Stones, The Animals, y los Kinks, e inspiración a grupos de jóvenes estadounidenses como el Beau Brummels, Lovin 'Spoonful, y otros.

Entre desenfrenadas giras internacionales en 1964 y 1965, los Beatles continuaron encabezando listas de álbumes y singles. (Hasta 1967, los álbumes británicos del grupo fueron truncados a menudo para el lanzamiento en los Estados Unidos;. Cuando su catálogo fue trasladado a un CD, los discos fueron lanzados en todo el mundo en sus configuraciones británicas). En retrospectiva, los críticos han juzgado a los Beatles por la venta (a finales de 1964) de Help! como un disco con poca impresion y esfuerzo de la banda. Hasta cierto punto, eso es cierto.

Pero el grupo continuaba lanzando exitos. "I Feel Fine" tuvo una buena respuesta, "Ticket to Ride", mostró la banda empezando a incorporar el sonido, las líneas circulares metálicas, la guitarra que se apropiaron por bandas como los Byrds, "¡Help" era su primera explosión de lirismo confesional, "Yesterday" que emplea un cuarteto de cuerda. John Lennon, en particular, estaba empezando a mostrar una influencia Dylanesque en su composición en un número tan pesimistas como el folk, "I'm a Loser" y "You've Got to Hide Your Love Away", y temas como ""I Don't Want to Spoil the Party" y "I've Just Seen a Face", tenía un sabor country mas fuerte.

Aunque la película ¡Help!, era un asunto mucho más tonto y menos sofisticado que su primer largometraje, también fue un gran éxito comercial. En ese momento, sin embargo, los Beatles no tenía nada que demostrar en términos comerciales; las fronteras restantes eran retos artísticos que sólo podía cumplirse en el estudio. Se levantaron a la ocasión al final de 1965, con Rubber Soul, uno de los clásicos de folk-rock. Líricamente, Lennon, McCartney, Harrison (que ahora estaba escribiendo algunas canciones por su cuenta) fueron evolucionando más allá de los escenarios en los sentimientos complejos y personales. También estaban empujando los límites del rock de estudio mediante la elaboración de nuevas texturas de guitarra y bajo, experimentando con la distorsión y el seguimiento de múltiples, y el uso no convencional (en el rock) de instrumentos como el sitar.

Una gran parte de su progresión fue "Rubber Soul" en relación con sus grabaciones anteriores. "Paperback Writer" y el single "Rain" encuentra al grupo alejado por completo de los temas románticos, impulsando el bajo a niveles antes desconocidos, y jugar con las imágenes psicodélicas y las cintas hacia atrás en el lado B. Drogas psicodélicas (y otros) fueron alimentando su imaginación ya fértiles, pero se sentía creativamente obstaculizada por las obligaciones de sus giras. "Revolver", lanzado en el verano de 1966, demostró lo que el grupo podría ser capaz de hacer cuando estaba asignado meses en el estudio. Guitarras duras y gruesos arreglos vocales forman el lecho de estos, cada vez más imaginista, letras ambiciosas, el eclecticismo del grupo ya abarca todo, desde novedades como ("Yellow Submarine") y una cuerda respaldados por el cuarteto-bocetos de los personajes ("Eleanor Rigby").  Influencias con remolinos de las cintas de eco y hacia atrás ("Tomorrow Never Knows"). 

Algunos se quejan de que los Beatles habían abandonado sus raíces para el manierismo inteligente. Sin embargo, "Revolver", como casi todos los singles del grupo y los álbumes de "She Loves You" en adelante, estarian en todo el mundo en las listas de éxitos. Durante el último par de años, presentaciones en vivo se había convertido en un ejercicio de memoria para el grupo, cansado de competir con miles de fans gritando que se ahogaron al cabo de la mayor parte de sus voces e instrumentos. la gira del verano de 1966, en todo el mundo era particularmente penosa: el entorno del grupo fue agredido físicamente en Filipinas después de un desaire percibido por la primera dama del país, y un comentario casual de John Lennon sobre que los Beatles son más grandes que Jesucristo, fue detenido en Estados Unidos, dando como resultado la quema de los discos de los Beatles y la demanda de una disculpa arrepentida. Su último concierto de esa gira por Estados Unidos (en San Francisco el 29 de agosto de 1966) sería su última frente a un público que paga, ya que el grupo decidió dejar de tocar en vivo con el fin de concentrarse en sus grabaciones de estudio.

Este era un radical (de hecho, sin precedentes) paso en 1966, y los medios de comunicación estaba plagado de especulaciones de que el grupo se estaba desintegrando, sobre todo después de que los cuatro pasaron finales de 1966 participando en distintas actividades personales y artísticas. La aparición de "Penny Lane" y "Strawberry Fields Forever", sencillos que salieron en febrero de 1967 aplastaron estas preocupaciones. Los Beatles estaban empujando hacia adelante en el territorio descaradamente psicodélica en el uso de arreglos orquestales y Mellotron, sin abandonar su idea de la melodía memorable y los mensajes líricos inmediatamente accesibles.

El "Sargento Pimienta", lanzado en junio de 1967, fue la banda sonora definitivamente psicodélica. O, al menos, por lo que se percibía en el momento: los críticos posteriores han pintado el álbum como un asunto irregular, teniendo en cuenta una unidad conceptual a través de sus brillantes doblajes realizados, melodías "Singalong", y letras de cuentos de hadas. Otros siguen convencidos, como millones lo que hizo en su momento, que representa el mayor triunfo del pop, o incluso una evolución del pop en el arte con mayúsculas. Además de todo tipo de influencias, los músicos también estaban recogiendo vibraciones de la musica de la India, de vanguardia electrónica, clásica, music hall, y mucho más. Cuando los Beatles estrenó su himno hippie "All You Need Is Love" como parte de un programa de televisión en todo el mundo, que había sido verdaderamente ungido como portavoces de su generación (un papel que no habían buscado activamente), y parecía que no podían equivocarse.

Musicalmente, que por lo general seguirá siendo el caso, pero la fuerza del grupo empezó a desmoronarse a un ritmo sorprendentemente rápido. En agosto de 1967, Brian Epstein - propensas a la depresión suicida, en el último año - murió de una sobredosis de drogas, dejándolos sin un manager. Ellos siguieron adelante con su próximo proyecto cinematográfico, "Magical Mystery Tour", dirigida por ellos mismos, falta de enfoque o de profesionalismo, la imagen del grupo fue bombardeado. Cuando se estrenó en la televisión de la BBC en diciembre de 1967, dando a los medios de comunicación la primera oportunidad real que habían tenido para asar a los Beatles sobre una llama. (Otra película, el "Submarino Amarillo" pelicula de animación, aparecería en 1968, a pesar de que los Beatles tenían poca participación en el proyecto, ya sea en términos de la película o la banda sonora.) A principios de 1968, los Beatles partieron a la India para un curso de trascendental la meditación con el Maharishi, lo que también se convirtió en una especie de vergüenza para los medios de comunicación, ya que cada uno de los cuatro con el tiempo se apartaría del curso antes de su finalización.

Los Beatles usaron su paz inusitada en la India para componer una gran cantidad de material nuevo. A juzgar exclusivamente en mérito musical, "The White Album", un doble LP publicado a finales de 1968, fue un triunfo. Mientras que en gran medida abandonaron sus instrumentos psicodélicos para volver a la guitarra de rock, que mantiene el eclecticismo caprichoso, probarse a sí mismos dueños de todo, desde el blues-rock al vodevil. Como compositores individuales, también, contiene algunos de sus mejores trabajos (al igual que el brillante LP de esta época, "Hey Jude" / "Revolución").

Lennon y McCartney habían formado todo el tiempo la mayoría de sus canciones por separado. Pero se habían alimentado siempre el uno del otro, no sólo para suministrar partes que faltan y las piezas que traen una canción hasta el final, sino también para proporcionar una ventaja competitiva que sacar lo mejor del otro. El melodicismo romántico de McCartney y el aumento de la acidez de Lennon, el ingenio áspero eran complementos perfectos el uno al otro. En el álbum blanco, estaba claro (aunque sólo en retrospectiva) que cada miembro estaba más preocupado con su propia expresión que el de la colectividad: un impulso natural, pero que estaba obligado a dar lugar a dificultades.

Además, George Harrison se estaba convirtiendo en un compositor más prolífico y experto, así, impregnando sus propias melodías (que eran casi igual a las de sus colegas más célebres) con una ligereza cósmica. Harrison estaba empezando a resentir su condición de menor, y el grupo comenzó a discutir más abiertamente en el estudio. Los intereses personales se entra en juego, así: la devoción de Lennon a las búsquedas románticas y artística con su nueva novia (y pronto a ser la esposa) Yoko Ono estaba desviando su atención de los Beatles. Apple Records, iniciado por el grupo a principios de 1968 como una especie de empresa comercial utópico, fue convirtiéndose en una pesadilla financiera y de organización.

Estas no eran las condiciones ideales para grabar un nuevo álbum en enero de 1969, sobre todo cuando McCartney estaba empujando al grupo a volver a vivir la realización, aunque ninguno de los otros parecían especialmente interesados en la idea. Ellos estaban de acuerdo para tratar de grabar una "vuelta a lo básico", en vivo-en-el-estudio-de tipo LP, las sesiones eran filmados para un especial de televisión. Ese plan casi explotó cuando Harrison, en medio de tensas discusiones, dejó el grupo durante unos días. A pesar de su regreso, la idea de tocar conciertos en directo fue puesto en un segundo plano; Harrison alistó al teclista estadounidense de soul Billy Preston como una especie de quinto miembro en las sesiones, tanto para reforzar los acordes y para aliviar la atmósfera incómoda. Exacerbando el problema era que los Beatles no tenían una gran cantidad de canciones de primera clase para trabajar con los nuevos, aunque algunos eran excelentes. Con el fin de proporcionar un adecuado concierto-como la experiencia de la película, el grupo hizo subir a la azotea de su sede de Apple en Londres para ofrecer una actuación improvisada el 30 de enero de 1969, antes de que la policía lo detuvo, lo que fue su último concierto en vivo de cualquier tipo.

Generalmente satisfecho con estas sesiones de principios del 1969, el álbum y la película - en un primer momento titulado "Get Back", y más tarde a emerger como "Let It Be". Un par de los mejores temas, "Get Back" / "Dont Let Me Down", se publicaron en un sencillo en la primavera de 1969. En ese momento, las peleas de los Beatles se intensifica en una disputa sobre la gestión: McCartney quería que sus asuntos sean manejados por su nuevo padre-en-ley, Lee Eastman, mientras que los otros miembros del grupo a favor de un hombre de negocios, Allen Klein .

Era una especie de milagro, que el último álbum grabado por el grupo, Abbey Road, fue uno de sus esfuerzos más unificados (incluso si, en ese momento, los músicos estaban grabando muchas de sus partes por separado). Sin duda, había alcanzado uno de sus melodías más complejas, armonías y los arreglos instrumentales, sino que también anunció la llegada de Harrison como compositor de talento igual a Lennon y McCartney, como George escribió dos canciones más populares del álbum, "Somenthing" y "Here Comes the Sun". Los Beatles todavía estaban progresando, pero resultó ser el final de la carretera, ya que sus disputas de negocios continuó ampliandose. Lennon, que había comenzado a publicar singles en solitario y tocando con amigos como la Plastic Ono Band, amenazó con dimitir a finales de 1969, a pesar de que fue disuadido de hacer un anuncio público.

La mayoría de las primeras cintas de 1969 permaneció inédito, en parte porque el material para la difusión de la televisión prevista de estas sesiones iba a ser producida como una película documental. La banda sonora que acompañaria "Let It Be", fue retrasado por lo que su estreno podría coincidir con la de la película. Lennon, Harrison y Klein Allen decidieron escoger al productor estadounidense Phil Spector, para hacer una grabacion instrumental adicional y un poco de mezcla. Por lo tanto la confusión que persiste entre la mayoría de los oyentes de rock hasta el día: "Let It Be", el último álbum de los Beatles a ser lanzado, no fue el último en ser grabado. Abbey Road en realidad debería ser considerado como el ultimo álbum de los Beatles, la mayor parte del material en "Let It Be", incluyendo la canción principal (que sería el último single lanzado mientras que el grupo todavía estaba en conjunto), fue grabado durante varios meses antes de que las sesiones de "Abbey Road" comenzara en serio, y unos 15 meses más o menos antes de su lanzamiento de mayo de 1970.

En ese momento, los Beatles ya no eran más. De hecho, no había habido ninguna grabación realizada por el grupo como una unidad desde agosto de 1969, y cada miembro de la banda había comenzado a perseguir intereses profesionales de forma independiente. Lennon a través de la Plastic Ono Band, la gira de Harrison con Delaney & Bonnie, protagonista de Starr Magia en el cine cristiano, o el primer disco en solitario de McCartney. El mundo exterior en su mayor parte se mantuvo casi totalmente conscientes de la gravedad de la fricción del grupo, por lo que es un golpe devastador para la mayor parte de los jóvenes del mundo cuando McCartney anunció que se iba de los Beatles el 10 de abril de 1970. (El "anuncio" fue contenido en realidad en un comunicado de prensa de su nuevo álbum, en el que su declaración de su intención de trabajar por su cuenta efectivamente sirvió como un aviso de su partida.)

El golpe final, al parecer, fue el conflicto entre las fechas de lanzamiento de "Let It Be" y los álbumes de McCartney como solista. El resto del grupo le pidió a McCartney retrasar su lanzamiento hasta después de "Let It Be", McCartney se negó y, en buena medida, estaba presionado por Spector Post-Production para trabajar en "Let It Be". Aunque McCartney recibió gran parte de la culpa por la separación, se debe recordar que él había hecho más que cualquier otro miembro para que el grupo andase desde la muerte de Epstein, y que cada uno de los otros Beatles habían amenazado con dejar las cosas antes de la salida de McCartney. En retrospectiva, la ruptura parecía inevitable a la vista de los desacuerdos de negocios serios y el crecimiento de sus intereses individuales.

Los enfrentamientos crecerían mucho peor en los próximos años. A finales de 1970, McCartney demandó al resto de los Beatles con el fin de disolver su asociación, la batalla arrastraba a través de los tribunales durante años, con lo que frustraron las perspectivas de una reunión de grupo. En cualquier caso, cada miembro de la banda estableció rápidamente sus carreras en solitario. De hecho, en un principio se podría haber argumentado que los efectos artísticos de la división eran en algunos aspectos beneficiosos, la liberación de Lennon y Harrison para hacer sus manifestaciones artísticas más intransigentes. Los talentos individuales de George en particular, recibió la aclamación que siempre le había eludido, cuando fue eclipsado por Lennon-McCartney. Paul tenía un tiempo mucho más duro con los críticos, pero continuó emitiendo una corriente de singles de éxito. Ringo no tenía la visión para componer canciones para competir en el mismo nivel que los otros, pero él también tenía un buen single de gran éxito en los años 70, a menudo se benefician de la ayuda de sus ex compañeros de banda.

Sin embargo, en poco tiempo, se hizo evidente, tanto que los Beatles no iban a resolver sus diferencias y reunirse, y que su trabajo en solitario no podía compararse con lo que eran capaces de crear juntos. El estereotipo dice que la división permitió a cada uno de ellos disfrutar de sus peores tendencias de sus extremos: Lennon en agitación y propaganda, Harrison en más santo que su misticismo, McCartney en el pop cursi, Starr en un rock fácil de escuchar. Hay una buena dosis de verdad en esto, pero también es importante tener en cuenta que lo que más faltaba era el sentido de la interacción grupal. La línea del partido de crítica a menudo defiende a Lennon como el rockero enojado, realista, y McCartney como el baladista melódico, pero esto es una falacia: cada uno de ellos era capaz, en medidas más o menos iguales. Lo que no está en discusión es que se desató entre sí para llegar a alturas que no podían alcanzar por su cuenta.

Pese a los rumores periódicos de reuniones en toda la década de 1970, ningún proyecto del grupo estuvo a punto de materializarse. Cabe añadir que los propios Beatles continuaron su feudo hasta cierto punto, y en todas las pruebas no fueron seriamente interesados en trabajar juntos como una unidad. Todas las esperanzas de una reunión se desvaneció cuando Lennon fue asesinado en Nueva York en diciembre de 1980. Los Beatles continuaron sus carreras en solitario a lo largo de la década de 1980, pero sus lanzamientos se hicieron menos frecuentes, y su éxito comercial disminuyó gradualmente como oyentes, sin recuerdos de primera mano de la combinación crea sus propios ídolos.

La popularidad de los Beatles, como unidad, sin embargo, resultó eterna. En parte, esto se debe a que la fractura del grupo 1970 efectivamente corto las perspectivas de disminución artística, la obra que se conserva fue uniformemente fuerte. Sin embargo, es también porque, como todos los grandes obras de arte, las grabaciones de los Beatles realizando una magnificencia eterna que sigue cautivando a las nuevas generaciones de oyentes. Por lo tanto, es que los discos de los Beatles siguen siendo escuchado en la radio, siguen vendiendo en grandes cantidades, y continúan siendo cubiertos y citado por artistas de rock y el pop hasta el presente.

Disputas legales de Apple impidió el lanzamiento oficial de material inédito de los Beatles durante más de dos décadas (aunque mucho de él fue pirateado con frecuencia). La situación cambió por fin en la década de 1990, después de McCartney, Harrison, Starr y la viuda de Lennon, Yoko Ono, resolvieron sus desacuerdos comerciales principales. En 1994, esto se tradujo en un doble CD de sesiones para la BBC desde principios y mediados de los años 60. Al año siguiente, un proyecto mucho más ambicioso, se llevó a cabo: un documental de varias partes, emitido por la cadena de televisión en 1995, y luego lanzado para el mercado de vídeo doméstico en 1996, con la participación activa de los supervivientes The Beatles.

Para coincidir con el documental Anthology, tres discos dobles de material inédito fueron emitidas en 1995 y 1996. Además, McCartney, Harrison y Starr (con alguna ayuda de Jeff Lynne) adornada de un par de demos de John Lennon a partir de la década de 1970 con sobre grabaciones para crear dos nuevas canciones ("Free as a Bird" y "Real Love"), que fueron facturados como reales grabaciones de los Beatles. Si esto constituye la verdadera largamente esperada "reunión" es el tema de mucho debate. 

Ciertamente, estos recortes eran casi los clásicos a la par de la música del grupo realizado en la década de 1960. Algunos fans incondicionales, incluso, se inclinan a ver el proyecto Anthology entero como un ejercicio de marketing claramente de la década de 1990 que maximiza el kilometraje de todo lo que pudiera ser exprimido de las bóvedas de los Beatles.

Algunas curiosidades sobre Kurt Cobain

diciembre 21, 2011 0 comentarios

El 20 de febrero de 1967, nacía la estrella más brillante del grunge. Y aunque murió sólo 27 años después, en circunstancias aún desconocidas, celebramos su 44 cumpleaños con algunas curiosas sobre su vida.

- Antes de Nirvana, Cobain se había presentado a una audición para formar parte de los Melvins, pero fue rechazado.

- Cuando todavía era un adolescente, el líder de Nirvana vivió durante ocho meses en casa de un amigo y dormía en el sofá.

- Cuando Nirvana comenzaba a tener éxito, les llegó un fax (eran los 90) del grupo Metallica en el que decía: “Habéis dado en el clavo. Nevermind es el mejor disco del año. Nos vemos pronto, Metallica. Pd.: Lars [Ulrich] os odia”.

- La otra gran afición de Kurt Cobain era rodar películas en Súper 8. En una de ellas hay una escena en la que el cantante se suicida.

- Hubo un tiempo en el que Kurt vomitaba antes de cada concierto.

- Una de las mejores amigas de Kurt Cobain, Carrie Montgomery, dijo una vez: “Hace que las mujeres lo cuiden y protejan. Es una paradoja, porque aunque es brutalmente intenso y fuerte, a la vez puede parecer frágil y delicado”.

- En una frase del diario de Kurt Cobain se podía leer: “He conocido a muchas mentes capaces de almacenar y traducir gran cantidad de información pero que carecen de talento y sabiduría, y que tampoco saben apreciar la pasión”.

- Cobain grabó sus primeras canciones en diciembre de 1982, en casa de su tía Mary. Sonaban un bajo, una guitarra y unas cucharas golpeando una maleta. El músico llamó a estas sesiones: “Confusión organizada”.

- El líder de Nirvana comenzó a consumir heroína a diario para aliviar sus dolores crónicos de estómago. Escribió en su diario: “He decidido que si me siento como si fuera un drogadicto, quizá pueda comenzar a serlo”.

- Cuando Nirvana ya eran famosos, Cobain se ofreció para tocar en la inauguración del festival Pop Underground de Olympia (Washington, EE UU), pero los coordinadores del evento lo rechazaron. A Cobain le dolió mucho que no le dejaran tocar ahí, y se sintió muy alejado de la escena musical que más adoraba.

- Cuando Kurt Cobain estaba de mal humor se sentaba en un rincón durante más de 45 minutos sin hablar.

- El líder de Nirvana escribió: “El arte cuando es de gran valor no puede ser apreciado por las mayorías. Como siempre, sólo un pequeño porcentaje lo podrá valorar. Y eso quiere decir que es bueno”.

- Solo unas horas después de su actuación en el programa Saturday Night Live y una semana después de que Nevermind hubiera alcanzado el número 1 en las listas, el líder de Nirvana sufrió una sobredosis. Courtney Love lo encontró a las 7:00 de la mañana tirado en el suelo y consiguió que volviera en sí mojándole la cara con agua y dándole puñetazos en el estómago.

- Tres meses después de lanzamiento de Nevermind, durante la Nochebuena de 1991, Kurt Cobain y Courtney Love seguían viviendo en una pequeña habitación dentro del apartamento de un amigo.

- De niño, a Cobain le diagnosticaron un trastorno por déficit de atención con hiperactividad.

- En 1992, Cobain desveló que él y Courtney se habían gastado un millón de dólares en los últimos 12 meses: 80.000 en gastos personales, 380.000 en impuestos, 300.000 en una casa en Carnation (EE UU), y el resto en médicos y abogados. “No es mucho”, explicó el cantante. “Seguro que Axl Rose se ha gastado más este año”.

- Después de interpretar Territorial pissings en el Satuday Night Live, Cobain y el bajista de Nirvana, Krist Novoselic, se besaron con lengua. El programa de televisión se negó a emitir esas imágenes.

- Antes de ser famoso, Kurt Cobain trabajó como monitor de natación para niños en Aberdeen (Estados Unidos).

- En una carta que le envió al ex batería de Nirvana, Dave Foster, Cobain escribió: “Ponerle nombre a un disco no es una tontería. Cualquiera puede hacerlo, pero hay una gran diferencia entre las credenciales y notoriedad, y el propio respeto a través de la música".

- Curtney Love, después de escuchar el tema In bloom de Nirvana en 1992 y darse cuenta de lo bueno que era, dijo: “Al instante sentí lástima por Kurt, me di cuenta inmediatamente de la pesadilla que se le venía encima”.

- El líder de Nirvana escribió una vez: “Me he visto forzado a convertirme en una solitaria estrella del rock. Esto es: a no conceder entrevistas, no aparecer en la radio, etc. Esta decisión se debe a las legiones de autoridades autodesignadas en el mundo de la música que además de no ser músicos no han aportado nada auténtico al rock and roll, además de ser los mayores misóginos en todas las formas de expresión".

- Cobain dijo una vez: “Pasé la mayor parte de mi adolescencia sin ser consciente de la importancia del feminismo, aunque en el fondo siempre he tenido una parte femenina muy desarrollada. Por ejemplo, siempre me sentí más inclinado a pasar el tiempo con chicas, y en mi infancia me gustaba la música pop más suave. Después comencé a fumar marihuana y me convertí en un adolescente”.

- Courtney Love dijo una vez: “Kurt era puro y también increíblemente ambicioso. Quería lo que tenía, pero por culpa de su educación, decidió que no lo quería”.

- Cuando comenzaron, Cobain quería que Nirvana ensayaran cinco noches a la semana.

- Cobain durante un tiempo no tuvo casa y dormía en la sala de espera del hospital donde nació, el Harbour Community Hospital de Washington (EE.UU).


George Harrison, el tímido más famoso del siglo XX.

diciembre 07, 2011 0 comentarios

George Harrison, además de tímido, era un tipo muy raro. ¿Cómo catalogar a este personaje tan singular en la historia del negocio del espectáculo? Era el encargado de los solos de guitarra de la banda más importante de todos los tiempos, pero casi nadie lo cita cuando se hacen listados de los grandes guitarristas que ha dado el rock.

Místico, pero también un apasionado de los carros de carreras, ruidosos, poco aptos para practicar la meditación trascendental y tan propia del mundo material. A diferencia de John, Paul y Ringo, casi nunca fue noticia tras la separación de los Beatles. Si acaso tras el fenomenal impacto que provocó la aparición de su álbum All Things Must Pass, en 1970, un año después cuando organizó el concierto a beneficio de las víctimas de la guerra de Bangladesh y, en menor medida, en 1973 cuando publicó su canción Give Me Love, y en 1987 con el álbum Cloud Nine.

Su nombre volvió a sonar cuando se alió con Roy Orbizon, Bob Dylan, Tom Petty y Jeff Lynne para crear la efímera banda de los Travellin’ Wilburys. Pero poco o nada más que eso. Ah, también fue noticia en 1975 cuando perdió el pleito al ser acusado de plagio, pues el parecido de su superéxito “My Sweet Lord” con la canción “She’s so Fine” de las Chiffons, era demasiado evidente. Como Beatle, Harrison casi siempre pasó agachado. Su volumen de composiciones siempre fue avasallado por los temas de John y Paul. En tiempos de la Beatlemanía se adaptó de maravilla a su papel de discreto guitarrista al que muy de tarde en tarde le dejaban cantar alguna canción (“Do You Want to Know a Secret”, “Roll Over Beethoven”, cosas así).

Eso sí, en las ruedas de prensa, en las que los cuatro Beatles se mostraban igual de importantes, como buen tímido que era Harrison soltaba a cuentagotas su humor corrosivo, que complementaba de maravilla la entonces aún simpaticona irreverencia de John, el sex appeal de Paul y los instintos maternales que inspiraba Ringo.

Pero casi ninguna chica se enamoraba de George. Era tan tímido, tan raro… En 1965, George se encontró de casualidad con un sitar durante la filmación de la película Help! Y el tímido Beatle comenzó a crecer pero a lo hindú. Crecimiento interior. Introspección. Meditación. En sus canciones de amor no se sabía si le hablaba a su esposa Patty o a Dios. Ah, y ya que hablamos de Patty y de lo raro que era George, no sobra recordar que se casó con ella porque se le hacía idéntica a Brigitte Bardot y claro, ese matrimonio no funcionó muy bien. De hecho, Patty, aburrida de la vida que le daba Harrison, se largó a comienzos de los 70 con el gran guitarrista Eric Clapton, el mejor amigo de George, detalle de fina coquetería que no alteró para nada la relación entre el par de amigos. No es fácil quererlo. Alguna vez invitó a su casa a Ringo y a su esposa Maureen Cox y, en medio de la cena, les proclamó a los asistentes (entre ellos Patty) que en realidad estaba enamorado de Maureen, que quería acostarse con ella. Qué falta de estilo… En su autobiografía I, Me, Mine, Harrison le dedicó páginas enteras a decenas de guitarristas de blues, rythm’n blues y rock’n roll que lo habían influenciado pero no mencionó a Lennon, su maestro y protector.

Sí, un tímido, un tipo raro. Cuando se revisa de manera desapasionada la biografía de George uno quisiera decir “Qué tipo tan aburrido”. Pero basta oír por millonésima vez el primer acorde de Here Comes the Sun, el genial comienzo de “While my Guitar Gently Wheeps”, el solo de guitarra de “Something” o el riff electrizante de “What Is Life” para perdonarle todo y reconciliarse una vez más con el buen George, el gran George, el tímido más famoso del siglo XX.

 
El Blog de T3RX Radio © 2011 con la tecnologia Blogger